Photographes, Evènements, mes inspirations, mes coups de cœur

Découverte : CINDY SHERMAN

183:710114318 (Alain Baroni) — Tue, 11 May 2021 11:09:01 GMT

Pour moi c'est une pure découverte alors que c’est la femme photographe la plus cotée du marché de l’art

Dans de nombreux palmarès, Cindy Sherman figure parmi les photographes les plus chers du monde. Si Untitled #92 (1981) a été vendue plus de 2 millions de dollars en 1993 chez Christie's à New York, il a fallu attendre 2011 pour que la photographie Untitled #96 (1981) arrive en troisième place du podium des photographies les plus chères de l'histoire, après Phantom de Peter Lik et Rhein II (1999) d’Andreas Gursky.

Cindy Sherman, née le 19 janvier 1954 à Glen Ridge, est une artiste et photographe américaine contemporaine. Ses créations s'inscrivent dans une tendance fictionnelle et elle est généralement considérée comme une des représentantes de la photographie plasticienne, à l'opposé de tout esthétisme documentaire. Elle travaille sans assistant, et avec un seul modèle, elle-même. Elle vit à New York.

Cindy Sherman considère que ses photographies sont à comprendre comme de l'art conceptuel. Son travail ne cherche pas à satisfaire une esthétique, ni à documenter une réalité. Ses créations s'inscrivent dans une tendance fictionnelle. Elle est son seul modèle , incarnant des femmes de tout âge et même des hommes, et crée ainsi une sorte de théâtre photographique .

Ses autoportraits, où elle se met ainsi en scène dans des costumes et des attitudes variées, sont autant de questionnements sur l'identité et ses modes de représentations. Elle refuse la notion de types sociaux qui seraient ancrés dans la société. D'ailleurs ses photographies refusent toute identité : elles sont Untitled, restant libres à toute interprétation. Les influences de son œuvre sont nombreuses et se réfèrent à des imageries très différentes, de l'image picturale et cinématographique à l'image de publicité, de magazine, de mode ou encore à l'image érotique.

Le travail de Cindy Sherman est fondé sur la mise en scène. Maîtrisant parfaitement l’art de la métamorphose, le spectateur la retrouve d’un cliché à l’autre dans un décors ou une thématique différente. Grâce à du maquillage, aux perruques ou encore à des costumes, elle nous apparaît complètement changée. Dans la série [History Portraits/Old Masters] elle va même jusqu’à porter des prothèses pour reproduire les corps de madones.

La très grande majorité de ses photos sont des autoportraits. Grâce à ses mises en scène, on redécouvre sans cesse l’artiste. De la forme de ses joues à la couleur de ses yeux, elle ne laisse rien au hasard. Le processus de transformation étant poussé à son paroxysme, le public a presque la dérangeante impression d’être confronté à quelqu’un d’autre.

Reference : Patrick DEMARCHELIER

183:710114318 (Alain Baroni) — Mon, 10 May 2021 09:57:11 GMT

Une de mes références :

Patrick Demarchelie r est un photographe de mode français connu à travers le monde. À l’origine d’innombrables images emblématiques pour des magazines comme Vogue et Harper’s Bazaar, il est sans doute surtout célèbre pour ses portraits intimes de la princesse Diana qui lui ont permis de rendre son image accessible et de la rendre populaire. Né le 21 août 1943 au Havre en France, il reçoit un appareil photo Kodak Eastman pour son 17e anniversaire. En 1975, il déménage à New York et commence à travailler pour les photographes Henri Cartier-Bresson et Jacques Guilbert, puis est embauché en 1992 par Harper’s Bazaar, devenant le photographe principal du magazine. Il réalise des campagnes, entre autres, pour Dior, Louis Vuitton, Chanel, Yves Saint Laurent, Calvin Klein, Ralph Lauren, ses photos apparaissent régulièrement en couverture de grands magazines. En 2007, il est fait Officier des Arts et des Lettres par le gouvernement français. Anna Wintour, célèbre rédactrice en chef de Vogue, qualifie son travail de « classique intemporel ». Il vit et travaille à New York.

REFERENCE - MATTHEW ROLSTON

183:710114318 (Alain Baroni) — Thu, 04 Feb 2021 13:19:45 GMT

Il a photographié le monde des arts, de la mode, de la musique avec toujours une magnifique lumière. Il le fait avec tendresse et humour. Une référence.

Matthew Russell Rolston est un artiste, photographe, réalisateur et directeur créatif américain. Il est connu pour ses techniques d'éclairage et son approche détaillée de la direction artistique et du design et a été identifié à plusieurs reprises tout au long de sa carrière avec la renaissance et l'expression moderne du glamour hollywoodien.

Né à Los Angeles le 1 mars 1955 (Âge : 65 ans) Californie, États-Unis , Rolston a étudié le dessin et la peinture dans sa ville natale au Chouinard Art Institute et au Otis College of Art & Design, ainsi que dans la Bay Area au San Francisco Art Institute. Il a également étudié l'illustration, la photographie, l'imagerie et le cinéma à l'Art Center College of Design de Pasadena, en Californie, où il a reçu en 2006 un doctorat honorifique.

Alors qu'il était encore étudiant à Art Center, Rolston a été "découvert" par Andy Warhol, pour le magazine Interview axé sur la célébrité de Warhol , où il a commencé une carrière réussie dans la photographie. Peu de temps après, Rolston a commencé à tourner des couvertures et des missions éditoriales pour le rédacteur fondateur Jann Wenner de Rolling Stone, ainsi que pour d'autres publications telles que Harper's Bazaar, Vogue, Vanity Fair, W, GQ, Esquire, Cosmopolitan, O: The Oprah Magazine et The New York Times .Rolston a réalisé des milliers de séances photo au cours de sa carrière, dont plus de 100 couvertures pour Rolling Stone.

Franck HORVAT : décès d'un très grand

183:710114318 (Alain Baroni) — Thu, 22 Oct 2020 11:11:11 GMT

Grand voyageur, observateur de la mode et de la rue, auteur de saisissants portraits de femmes... Le photographe Frank Horvat est décédé à l'âge de 92 ans, a-t-on appris auprès de la galerie Lelong à Paris.

D'origine italienne, né en 1928 à Abbazia (aujourd'hui Opatija en Croatie) de parents médecins, juifs et originaires d'Europe Centrale, Frank Horvat vivait à Boulogne-Billancourt (Hauts-de-Seine). Il avait rencontré Henri Cartier-Bresson en 1950. Rencontre importante qui devait l'inciter à entreprendre un voyage de deux ans en Asie, en tant que photojournaliste indépendant.

À partir de 1957, il applique son expérience de reporter à la photographie de mode, avec un style plus réaliste et moins guindé que celui des magazines de l'époque. Ses publications dans ELLE, Vogue et Harper's Bazaar, en Europe comme aux États-Unis, influenceront durablement le genre — tout en lui attirant les foudres de Cartier-Bresson, pour qui son mélange de directivité et de non-directivité est « du pastiche ».

Frank Horvat vivait et travaillait à Boulogne-Billancourt. Il meurt le 21 octobre 2020 à l’âge de 92 ans

liens : https://www.galerie-lelong.com/fr/artiste/118/frank-horvat/

DECOUVERTE : Claude GASSIAN

183:710114318 (Alain Baroni) — Thu, 25 Jun 2020 10:05:50 GMT

Claude Gassian est un photographe français, né à Paris en 1949. Il consacre son travail à capturer l’image de personnalités du monde de la musique. Il est notamment connu pour ses portraits du groupe The Rolling Stones.Sa première photo, c’est durant un concert des Rolling Stones, il à 16 ans, il est à l’Olympia et utilise le Rolleiflex de son père.

Il enchaine en écumant les concerts profitant de l’avènement du rock’n’roll et de l’affirmation de plus en plus forte de la personnalité des musiciens, son sujet de prédilection.Les concerts se succèdent, et Claude Gassian devient véritablement photographe de concert.

Il signe ses premières photos dans la presse musicale au début des années 70. Best, Rock & Folk… La presse plus généraliste le remarque alors et lui commande des portraits de célébrités qui ne sont plus exclusivement issues de la scène musicale.Cela restera les photos des Rolling Stones qui ont fait sa renommée. Il a été leur photographe officiel lors de leur tournée européenne en 1990. Claude Gassian fait la différence en capturant l’instant que personne n’aura eu l’idée ni la patience d’aller chercher.

Claude Gassian c’est près de 50 ans de tête d’affiche accompagnées en tournée et photographiées en Concert comme dans l’intimité. Les photos de Claude Gassian c’est l’humain, habité par la passion, mais aussi la fatigue et le doute.

Claude Gassian vit et travaille toujours à Paris.

DECOUVERTE : ETHAN RUSSEL

183:710114318 (Alain Baroni) — Thu, 25 Jun 2020 09:45:14 GMT

Parfois les jeux FACEBOOK permettent de se replonger dans des choses laissé de coté.

A travers la publication de l'album Who'next des WHO comme un album qui avait marqué ma culture musicale j'ai exploré également l'univers du photographe qui a fait cette superbe pochette.

Le vous livre un bout de bio et quelques unes de ses photos de rock (je ne pouvais qu’être touché ). Un artiste a découvrir !!

Né en 1945 aux Etats Unis, Ethan Russell est le seul photographe a avoir réalisé une couverture d’album pour les Who, les Rolling Stones ET les Beatles.

Avant Dominique Tarlé, il a suivi les Stones sur de nombreuses tournées et a vécu à leurs côtés le terrible concert d’Altamont en 1969.

Connu pour « prendre des images vraiment honnêtes de personnes extraordinaires » (« capturing really honest images of extraordinary people »), il est, selon Pete Townshend des Who, « the civilised eye on an uncivilised art-form : rock’n roll. »

Quelques liens :

https://www.dtth.gallery/copie-de-rankin-2?p=962

https://www.lagaleriedelinstant.com/ethan-russell/

Découverte : Serge LUTENS

183:710114318 (Alain Baroni) — Mon, 01 Jun 2020 08:04:07 GMT

Serge Lutens est né le 14 mars 1942 à Lille.

En 1956, à 14 ans, Serge LUTENS placé, contre son gré - il eut préféré être acteur - dans un salon de coiffure de sa ville natale.

Deux ans plus tard, il aura déjà déterminé les repères féminins qu'il fera siens : yeux fardés, peaux éthérées et têtes d'épingles par cheveux courts, nets et plaqués. Serge LUTENS s'impose également par la couleur noir qu'il ne quittera jamais. Il affirme ses goûts, ses choix sur ses amies qu'il photographie.

Serge LUTENS a 18 ans lorsqu'il est appelé sous les drapeaux pour servir lors de la guerre d'Algérie. Il sera réformé. C'est une rupture importante qui l'amène à prendre sa décision : quitter Lille pour se rendre à Paris. Nous sommes en 1962.

Aidé d'un amie, Madeleine Levy, et muni de grands tirages photographiques qu'il avait réalisés de ses amies, Serge Lutens qui vit ses premières années parisiennes, entre ombre et disette, contacte le magazine Vogue. Ce magazine représente pour lui l'essence de la beauté : un carmetl qu'il mythifie. Trois jours plus tard, Serge Lutens collabore au numéro de Noël.

Invention d'une vision par le fard, la création de bijoux, objets extraordinaires, Serge Lutens devient rapidement LA personne qu'il faut appeler et les magazines de mode ne s'y trompent pas : Elle, Jardin des Modes, Harper's Bazaar le sollicitent sans cesse : il collabore ainsi avec les plus grands photographes de l'époque, tout en poursuivant, de son côté, ses travaux photographiques. Durant ces années, la reconnaissance de son talent est manifeste.

En 1967, Christian Dior qui s'apprête à lancer sa ligne de maquillage fait appel à lui. Il créera pour cette maison couleurs, style et images. Sa vision est enfin unifiée par la photographie.

Au début des années 70, la célèbre rédactrice en chef du Vogue US, Diana Vreeland n'hésite pas à proclamer son enthousiasme : 'Serge Lutens, Révolution of Make-up !'. Le succès est retentissant. Serge Lutens devient le symbole d'une liberté donnée par le fard pour toute une nouvelle génération.

En 1974, faisant écho à son goût pour le cinéma et les actrices mythiques qui l'habitent, il réalise un court-métrage :"Les Stars".

A cette époque, il voyage et découvre le Maroc puis le Japon. Ces deux pays, aux cultures si riches et si différentes, s'assembleront en lui et affirmeront sa façon de voir et de sentir.

Serge Lutens saura s'en souvenir quelques années plus tard en 1980, lorsqu'il signe avec Shiseido une collaboration qui permettra à ce groupe de cosmétiques japonais, jusqu'alors inconnu sur la scène internationale, d'imposer une identité visuelle si puissante, qu'il deviendra l'un des acteurs mondiaux du marché dans les année 80 et 90.

Sous la même marque, en 1982, il conçoit "Nombre Noir", son premier parfum, habillé de noir brillant sur noir mat, concept qui préfigure les codes omniprésents des années 90. Si ce premier parfum marque les année 80, c'est la création de "Féminité du bois" et des Salons du Palais Royal en 1992 - au décor onirique -, que Serge Lutens affirme sa première véritable révolution olfactive dans le domaine du parfum.

Suite logique, en 2000, Serge Lutens crée la marque qui porte aujourd'hui son nom et impose plus que jamais son style sans concession. Parfums et fards ("Nécessaire de beauté"), ses expressions en ce domaine se croisent entre une distribution pointue et sélective et celle plus confidentielle du Palais Royal-Serge Lutens.

Re- Decouverte : Jean-Paul GOUDE

183:710114318 (Alain Baroni) — Sun, 31 May 2020 17:48:02 GMT

Il faisait parti des créateurs de l'époque ou j'ai commencé la photo.

C'était trop éloigné de mes possibilités mais son travail m'a marqué J'ai même fait un ange inspiré de Coco il y a peu de temps sans revenir sur son travail.

Jean-Paul Goude est né le 8 décembre 1940, d’un père français et d’une mère américaine. Il grandit à Saint-Mandé, en Île-de-France. Il débute comme illustrateur pour un grand magasin en 1964, puis il s’occupe de la carrière de l’actrice Zouzou en 1970, dont il est le petit ami à l’époque. Les années suivantes, il travaille comme directeur artistique pour un magazine américain, Esquire, puis il revient en France en 1982 pour mettre en scène le spectacle de Grace Jones, A One Man Show. Jean-Paul Goude fréquente Grace Jones depuis la fin des années 1970, et de leur union naîtra en 1979 un garçon du nom de Paulo.

Très impressionné par les « maîtres » d’Harper’s Bazaar : Irving Penn, Richard Avedon, Hiro,… Il se lance à corps perdu dans la photographie et imagine alors le concept de « French correction ». Il sculpte, façonne les corps à l’aide de prothèses et d’artifices. Puis il retravaille les images, les découpe, les colle avec un seul but: les embellir. Amoureux de la Femme il fabrique des icônes à l’instar de ses muses qui furent aussi ses compagnes: Radiah, Grace Jones, Farida et aujourd’hui son épouse Karen ou encore Laetitia Casta.

En 1984, l’agence Young&Rubicam lui confie la campagne publicitaire de Kodak. À cette occasion, Jean-Paul Goude crée les Kodakettes, trois petites filles habillées d’un maillot de bain à rayures rouges et blanches et portant un bonnet. Ces personnages deviennent le symbole de la marque pendant une dizaine d’années, et Jean-Paul Goude obtient un Lion d’or lors du Festival international de la publicité à Cannes, en 1985. Cette nouvelle notoriété lui permet de réaliser de nouvelles campagnes de publicité pour des marques célèbres comme Perrier, Citroën ou Chanel. En 1989, le gouvernement français lui confie l’organisation du défilé pour commémorer le bicentenaire de la Révolution française. Dans les années 1990, Jean-Paul Goude crée plusieurs campagnes publicitaires pour Chanel, dont l’une met en scène la chanteuse Vanessa Paradis. En 2001, il devient directeur artistique pour les campagnes publicitaires des Galeries Lafayette avec comme égérie Laetitia Casta. Jean-Paul Goude publie, les années suivantes, plusieurs livres retraçant sa carrière. Il reçoit le grade de commandeur de l’ordre des Arts et des Lettres en 2012.

Jean-Paul Goude est le premier artiste à avoir gommé, puis fait disparaître la frontière entre la publicité et l’art.

Re-découverte : Jean-Daniel LORIEUX

183:710114318 (Alain Baroni) — Tue, 26 May 2020 08:47:56 GMT

Pourquoi les lumières de Jean-Daniel Lorieux sont-elles à redécouvrir ?

En faisant l'article sur Nicolas BETS, je suis repassé sur le travail de Jean-Daniel LORIEUX et quel bonheur !!

Il est LE photographe du luxe et de la mode triomphante des années 1970 à 2000. Ses lumières éclatantes font même pâlir le technicolor.
Extrait d'un article de l'Officiel : " Mais à 82 ans, le photographe n’est plus à un Jacques Chirac, une Carla Bruni, une Claudia Schiffer ou une Isabelle Adjani prés. Ce qui compte et qui restera, c’est son travail. Des photos lumineuses qui vont faire de lui un acteur flamboyant de la vie artistique parisienne dès les années 70. Diplômé des Arts et Métiers, ex-assistant de Marcel Carné, d’abord employé comme photographe des morts de la guerre d’Algérie, il apprendra le travail de la lumière au Studio Harcourt. Mais c’est dans la mode que sa réputation de séducteur, d’amuseur et surtout de créatif hors pair prendra forme. Collaborateur de L’Officiel, entre autres magazines prestigieux, il va réaliser des campagnes publicitaires pour Dior, Lanvin, Céline ou Pierre Cardin. Ici, la mer règne souvent, sur fond de ciel bleu et de plages sans fin. Avant l’âge des drones, le moindre cliché de mode lui fait louer des avions, des bateaux, des trains et utiliser souvent sa célèbre Bentley qui servira accessoirement de cabine vêtements et maquillage aux tops models qu'il affectionne. Destiné à exprimer le bonheur et la liberté, il saura utiliser toutes les armes de sa séduction naturelle pour y parvenir. Voyageant tout autour du globe, il explore les plus belles plages de la terre avec les plus belles filles du monde… Et inversement : on a connu pire destin ! "

Je vous laisse admirer quelques uns de ses clichés !!

Egalement des articles pour mieux le connaitre :
https://www.dandy-magazine.com/jean-daniel-lorieux-une-vie-dediee-a-lesthetique-et-a-la-legerete/
https://lemag.nikonclub.fr/exposition-jean-daniel-lorieux/

Decouverte : NICOLAS BETS

183:710114318 (Alain Baroni) — Mon, 18 May 2020 09:14:13 GMT

Nicolas Bets arrive à Paris en provenance de sa Belgique natale à 17 ans, pour devenir, comme sa mère, photographe. Il obtient son diplôme, après une année seulement en école de photographie. Pendant sept ans, il assiste de grands noms de la profession, tels que Claus Wichrath et Jean-Daniel Lorieux.
Un photographe comme je les adore qui allie délire et rigueur, l’esthétisme et le sens du détail poussés à l’extrême.
Le travail de Nicolas Bets apporte une réelle fraîcheur au monde de la photographie de mode. Il en résulte une scénographie soigneusement chorégraphiée et une réelle spontanéité.
Chacune de ses photographies est une invitation à la légèreté, une ode aux couleurs et témoigne d'une véritable maîtrise des séances photographiques: des studios au désert, de la piscine à l'intérieur, le terrain de jeu de Nicolas Bets n'a pas de frontières.

Une belle découverte que je partage avec vous

Inspiration: Helmut Newton

Fri, 13 Dec 2019 16:02:34 GMT

Helmut Newton, né Helmut Neustädter le 31 octobre 1920, à Berlin et mort le 23 janvier 2004, à Los Angeles, est un photographe australien d'origine allemande.

Il est connu pour ses photographies de mode et de nus féminins. Il a photographié de nombreux modèles parmi lesquelles Catherine Deneuve, Sylvie Vartan, Brigitte Nielsen, Grace Jones, Kate Moss, Karen Mulder, Monica Bellucci, Cindy Crawford et Claudia Schiffer.

Il s'installe à Paris , rue Aubriot , en 1961 et devient un photographe de mode très productif. Il réalise des séries de mode pour de nombreux magazines, en particulier dans Vogue . Son style, parfois d'une subjectivité sensuelle, est marqué par l' érotisme , par des scènes stylisées et, souvent, par une violence sous-jacente. À partir de 1970, sa femme June se lance aussi dans la photographie sous le nom d'Alice Springs. En 1977, le couple s'installe à Paris, rue de l'Abbé-de-l'Épée .

À partir de 1981, Helmut Newton réside à Monaco et à Los Angeles .

Helmut Newton meurt le 23 janvier 2004 des suites d'un accident de voiture à Hollywood (celle-ci ayant percuté le mur d'un hôtel) 1 . Selon sa volonté, il est enterré à Berlin . Il repose au cimetière Schöneberg III (Stubenrauchstraße 43-45), près de la tombe de Marlene Dietrich .

REFERENCE - JEANLOUP SIEFF

183:710114318 (Alain Baroni) — Mon, 17 Sep 2018 09:45:28 GMT

Un jour, il y a fort longtemps, dans le tout début des années 80, lors de mon premier séjour à Paris j’ai trouvé une photo de ce grand monsieur dans un présentoir à poster come on disait. La mode était à l’affichage chez soi d’affiches ou de posters et je profitais de la capitale pour trouver la perle rare.

A l’époque je faisais déjà de la photographie, avec des bases quasi inexistantes et une méconnaissance totale des photographes. Je trainais mon Canon Al-1 partout, en photographiant tout ce qui se présentait à mon objectif. Avec une certaine modération quand même l’argentique étant un budget !!

Et je suis tombé donc sur cette affiche de Jeanloup Sieff qui ne m’a d’ailleurs jamais quitté et qui a connu depuis tous mes lieux de vie.

Depuis j’ai fais quelques milliers de clichés argentiques, puis numériques mais je garde en tête ces clichés là, avec cette émotion qu’ils m’ont et qu’ils me procurent toujours.

Bon je ne vais pas reprendre les articles de Wikipédia ou autres que je mets en lien pour la bibliographie. Je me contenterai de mettre quelques photos et en premier « la fameuse » qui oriente toujours aujourd’hui mon travail de photographe.

Bibliographie :

https://www.focus-numerique.com/grand-photographe/dossiers/jeanloup-sieff-831.html

http://www.le-musee-prive.com/biographie-artiste/683-biographie-jeanloup-sieff.html

Inspiration : Eve Arnold

183:710114318 (Alain Baroni) — Wed, 12 Sep 2018 14:15:12 GMT

Photographe de Stars mais pas seulement

Eve ARNOLD

Cette photojournaliste américaine est surtout connue pour ses clichés qui saisissaient au vol, dans leur intimité, des stars de cinéma, comme Paul Newman, Joan Crawford, Elizabeth Taylor et, surtout, Marilyn Monroe, qu'elle immortalisa sur le tournage de The Misfits (1961, Les Désaxés ) de John Huston.

Elle est la fille d'un rabbin russe émigré, Eve Arnold (Cohen de son nom de jeune fille) née le 21 avril 1912 à Philadelphie (Pennsylvanie).

Elle abandonnera ses études de médecine peu après avoir reçu en cadeau son premier appareil photo, en 1946.

Deux ans plus tard, elle se forme à la New School for Social Research de New York au côté d' Alexey Brodovitch , directeur artistique du magazine Harper's Baazar ; ses clichés de défilés de mode organisés à Harlem lui valent les félicitations de son influent professeur. En 1951, Eve Arnold devient la première femme à collaborer avec l'agence Magnum Photos, dont elle sera membre à part entière à partir de 1957.

En 1952, elle couvre la convention républicaine à Chicago ainsi que les mouvements politiques noirs (en particulier les Black Muslims et Malcolm X) et féminins. Dans le film Behind the Veil (1972), elle examine la situation de la femme dans la société musulmane, tandis que l'ouvrage The Unretouched Woman (1976) élargit son propos aux femmes du monde entier. Outre ses divers reportages sur l'aristocratie noire et les minorités religieuses aux États-Unis, la photographe réalise des portraits de personnalités telles que Marilyn Monroe, la reine Elisabeth II, Richard Nixon, John Huston.

Inspiration : Pierre-Anthony ALLARD

183:710114318 (Alain Baroni) — Wed, 22 Aug 2018 15:14:10 GMT

Inspiration

Pierre-Anthony Allard , né le 30 mai 196 0 à Chicago, est un photographe français, portraitiste, qui a longtemps été associé au Studio Harcourt dont il a signé en particulier le portrait de Carole Bouquet , devenue emblématique du style de ce studio.

Il a commencé sa carrière photographique comme informaticien au studio Harcourt en 1983 pour passer très vite laborantin puis assistant de Thierry Bouët , photographe principal de ce studio. Il devient l'unique photographe en titre du Studio Harcourt au départ de ce dernier en 1984 .

Directeur artistique, puis directeur associé du Studio. Il quitte le Studio en 1985.

En 1987, il le réintègre, alors qu'il est installé au 10 rue Royale , Paris.

En 1992, Allard rachète la marque Studio Harcourt avec deux associés, François-Denis Poitrinal et Daniel Bour et installe le Studio au 30, rue des Acacias, Paris, avec un plateau de cinéma 200 m2 .

IL quitte à nouveau le studio en 2008, racheté par par un homme d'affaires, spécialiste de l'immobilier, Francis Dagnan .

De 2008 à aujourd'hui : il est photographe indépendant .

Ipoursuit aujourd’hui son travail sur la grande scène de la rue : des kiosquiers de Paris (expo 2009) à la campagne électorale 2012, du luxe de Moscou à la Maison d’arrêt de Clairvaux, des Massaï de Tanzanie aux dirigeants du CAC 40. Il donne régulièrement des conférences en France et en Europe sur l'histoire de la lumière, en hommage à Henri Alekan( Directeur de la photographie de nombre de films références comme la Belle et la bête, Les maudits, Austerlitz....)

Parmi ses portraits photographiques célèbres, on peut citer ceux d' Arielle Dombasle (1984), d' Isabelle Huppert (1987), de Pauline Lafont (1987), de Jacques Higelin (1988), de Laetitia Casta , de la reine Rania de Jordanie (2005), etc.

Ces clichés, illustrent parfaitement à quel point ce studio est si mythique et à quel point il porte en lui une partie de l'histoire de la photographie française.

Il faut dire que ce studio légendaire est quand même le seul en France où, depuis plus de 70 ans, s'y bousculent les célébrités les plus glamours et les plus représentatives du 7ème art.

Nous avons tous en tête une photo d’une célébrité réalisée par le studio Harcourt et pour moi les plus belles sous la direction de P-A Allard. A lire : Mes années Harcourt", son ouvrage sur son travail au studio.

En effet, P. A Allard a effectué la majeure partie de son parcours au Studio Harcourt, et il en fut même le directeur artistique pendant près de nombreuses années, jusqu'en 2008, où il redevint photographe indépendant. Il poursuit aujourd’hui son travail sur la grande scène de la rue : des kiosquiers de Paris (expo 2009) à la campagne électorale 2012, du luxe de Moscou à la Maison d’arrêt de Clairvaux, des Massaï de Tanzanie aux dirigeants du CAC 40.

Une chose est sure, les souvenirs de Pierre-Anthony sont vraiment passionnants à suivre pour qui s'intéresse un peu à la photographie et aux stars du 7ème art Il y a raconte en effet, avec une verve et un humour, des anecdotes, drôles, touchantes ou extravagantes des anonymes et célébrités rencontrées .

I nterview BAZ’ART :

B BA : Q uelles sont pour vous les principales caractéristiques d'une photo correspondant parfaitement au style Harcourt?

PAA :Une photo Harcourt, c'est la sacralisation du sujet photographié par la lumière. Une lumière très particulière, ce que nous appelons l'éclairage modelé en trois-points ou, si vous préférez, ce rendu en clair-obscur si caractéristique.

3. De toutes les stars qui ont posé pour vous, quelle serait la rencontre la plus mémorable, et pour quelles raisons?

Sans conteste, ma rencontre avec Isabelle Huppert que j'ai longuement évoquée dans mon livre. Une actrice extrêmement professionnelle qui m'a appris le temps d'une séance des points essentiels dans mon métier, comme la rapidité dans la prise de vue et la position du sujet, le fameux trois-quarts.

…..

5. Votre ouvrage parle longuement de votre obsession d'une lumière idéale pour parvenir une photographie réussie. Pourquoi vouer un tel culte à la lumière?

La lumière est la matrice de toute création picturale. La lumière est un facteur d'émotion partagée par les cinéastes, les photographes et les peintres. Vous savez, j'ai passé des heures dans les musées à me pencher sur des tableaux de peintres qui exaltaient le pouvoir de la lumière. J'étais fasciné par Rembrandt et Georges de La Tour. Rappelez-vous ses tableaux et son utilisation extraordinaire des contrastes entre l'ombre et la lumière pour donner une force à la scène. Des cadrages parfois très serrés, à la manière de plans cinématographiques en laissant la lumière découper les contours de ses personnages. En fait, si la lumière me parle autant, c'est qu'elle parle ! Elle raconte l'histoire, accentue son côté dramatique ou au contraire son côté joyeux.

Les photos sensuelles D' Albert FINCH

183:710114318 (Alain Baroni) — Wed, 22 Aug 2018 14:35:03 GMT

Découverte

Albert Finch est un artiste photographe polonais dont la plus grande source d’inspiration et le principal sujet de prédilection est la femme.

Il est spécialisé dans la photographie de nu en noir et blanc. Il sublime les corps de femmes, le plus souvent à la lumière naturelle pour des clichés remplis de douceur et de poésie, dans lesquels les courbes des modèles sont divinement soulignées. Le grain particulier de ses photographies offre un aspect vintage à son travail.

Albert Finch photographie donc des femmes, souvent nues, ou aux corps ornés de voiles vaporeux. S’il lui arrive parfois d’opter pour la couleur, ses images sont majoritairement en noir et blanc, ce qui renforce les contrastes de ses photographies et donne un côté très sensuel à ses œuvres. Si elles laissent leur visage apparaître, les modèles du photographe ont souvent les yeux fermés, comme prises au beau milieu d’un rêve. je laisse découvrir ces clichés tout en douceur et en volupté.

Une belle découverte !!!

Pour des photos supplémentaires

http://www.fubiz.net/2016/03/11/splendid-black-and-white-women-portraits/

sa page FB :

https://www.facebook.com/FinchAlbert/

Inspiration : Richard AVEDON

183:710114318 (Alain Baroni) — Fri, 27 Jul 2018 14:36:10 GMT

De l'émotion en studio ..

Richard Avedon (15 mai 1923, New York - 1er octobre 2004, San Antonio, Texas) est un photographe de mode et un portraitiste américain.

Il a réalisé un travail qui allait du reportage photo à la mode, des orphelins de Danang pendant la guerre du Viêt Nam aux portraits de Marilyn Monroe, Brigitte Bardot ou Sophia Loren. Il restera connu pour ses innombrables portraits en noir et blanc. Avedon a su faire de la photographie un art véritable après avoir initialement rencontré le succès avec la photographie de mode.

Avedon est né à New York dans une famille juive d’origine russe. Son père est un commerçant dans l'habillement. Il lui offre son premier appareil photographique à l'âge de 10 ans avec lequel il réalise le portrait de Sergueï Rachmaninov, le voisin de ses grands-parents. Sa mère assure son éveil artistique. Après avoir brièvement fréquenté l’université Columbia, il commence sa carrière de photographe dans la marine américaine (corps de la Merchant Marine) en 1942, en prenant des photographies d’identité des équipages avec le Rolleiflex que son père lui avait offert.

En 1944, il commence à travailler comme photographe publicitaire pour un grand magasin mais est rapidement découvert par Alexey Brodovitch, directeur artistique du magazine de mode Harper's Bazaar et directeur d'une école de design. En 1946, Avedon créé son propre studio et fournit des photographies pour des magazines comme Vogue et Life . Il devient rapidement le directeur de la photographie de Harper's Bazaar , sous la responsabilité de Carmel Snow, et réalise en 1955 les photos Dovima with elephants qui deviendra bien plus tard la photographie de mode la plus chère de l'Histoire. Avedon s’éloigne des techniques de prise de vue de la photographie de mode, où les modèles semblent ne rien ressentir : il montre, au contraire, des modèles emplis d’émotions, en train de rire ou de sourire, et souvent, en action.

Une page interressante : https://steemit.com/weeklydedication/@otsouvalas/richard-avedon-photographer-s-weekly-dedication-by-...

Arles 2018- Les Rencontres de la Photographie

183:710114318 (Alain Baroni) — Wed, 25 Jul 2018 10:09:42 GMT

Programme 2018 - Retour vers le Futur

https://www.rencontres-arles.com/fr/expositions

https://issuu.com/lesrencontresdelaphotographiearles/docs/arles_2018_dossier_de_presse.compre

49ÈME ÉDITION DES RENCONTRES D’ARLES

EXPOSITIONS :

RAYMOND DEPARDON

DEPARDON USA, 1968-1999

À Chicago, en 1968, Raymond Depardon effectue son premier reportage outre-Atlantique. Il couvre la convention nationale démocrate, assiégée par la manifestation contre la guerre du Vietnam. Durant l'été 1981, Raymond Depardon envoie de New York, pendant un mois, une photo et une légende par jour au journal Libération. Cette correspondance new-yorkaise marquera, avec ses images hors-champ et ses légendes décalées, un tournant dans son parcours photographique. En 1982, Raymond Depardon sillonne l'Ouest des États-Unis, du Nouveau-Mexique à la Californie en passant par le Colorado et le Nevada. Il retrouve l'Amérique en 1999 en se confrontant cette fois, dans un format hauteur, aux paysages grandioses de l'Arizona, du Montana et du Dakota. Pour la première fois, l'exposition Depardon USA, 1968-1999 , présentée aux Rencontres d'Arles, rassemble ce corpus américain de 76 photographies dont de nombreuses inédites.

ROBERT FRANK

SIDELINES

Robert Frank, l’un des photographes les plus importants et influents au monde, n’a cessé de questionner et de réinventer l’image photographique et d’explorer le potentiel narratif des séquences photographiques. Il y a soixante ans, en 1958, Robert Delpire publiait à Paris la première édition de son livre fondateur Les Américains . Ce qui constitue sans doute l’ouvrage le plus influent de l’histoire de la photographie ne fut cependant pas un coup de génie spontané. L’exposition Sidelines retrace d’une part l’évolution du style expressif de l’artiste et sa recherche sans concession d’une vérité subjective avant 1958, avec des séries de photographies réalisées dans son pays natal, en Europe et en Amérique du Sud. De l’autre, elle met l’accent sur des photographies quasi inconnues jusqu’à présent, réalisées dans les années 1950 alors que Robert Frank voyageait à travers les États-Unis pour son projet Les Américains. Ces images, qui restèrent non publiées pour des raisons éditoriales, sont aujourd’hui replacées dans leur contexte et présentées avec un petit groupe des célèbres clichés du livre qui choqua le monde à sa parution.

Inspiration : David Bailey

183:710114318 (Alain Baroni) — Wed, 21 Feb 2018 14:43:20 GMT

J'ai eu la chance de voir à Arles une expo de ses portraits. C'est vraiment un maitre en la matière . A voir et revoir...

David Bailey (né le 2 janvier 1938 à Leytonstone Londres) est un photographe de mode et de portrait anglais, connu entre autres pour son rôle majeur de photographe du British Vogue dans les années 1960, ainsi que pour avoir inspiré au réalisateur Michelangelo Antonioni le personnage de Thomas le photographe pour son film Blow-Up.

David Royston Bailey grandit dans l'East End. Alors que rien ne l'y destinait, il découvre la photographie pendant son service militaire dans la Royal Air Force en Malaisie2, en 1956, grâce à des images de Henri Cartier-Bresson. « J'avais le choix, âgé de seize ans. J'aurais pu être un musicien de jazz, un acteur ou un voleur de voiture. Ils disaient que je ne pouvais être photographe de mode […] ».

Il devient en 1959 assistant du photographe John French à Londres. Il est, à l'âge de vingt-deux ans, sous contrat avec le British Vogue, ainsi que, tout en restant indépendant, du Daily Express, du Sunday Times, du Daily Telegraph, de Elle, ou de Glamour1.

David Bailey réalise au cours des années 1960 des documentaires sur Warhol ou Visconti, mais également des films publicitaires. Durant l'époque du Swinging London il en devient l'un des symboles : figure majeure des sixties, il émerge parmi de nombreux photographes dans ce qui est à l'époque la Capitale de la mode, Londres. Il photographie la contre-culture en puisant son inspiration de la Nouvelle Vague et le cinéma. À l'aube de la révolution sexuelle, il change la photographie de mode et propulseront le photographe et son mannequin au rang d’icône des années 1960 en instaurant dans celle-ci une connotation sexuelle. David Bailey réalise des photos avec les mannequins de l'époque, recherchant le naturel de ceux-ci : Paulene Stone avec qui il débute, Jean Shrimpton avec qui par ailleurs il aura une liaison durant quatre ans, divorçant de sa femme ; Penelope Tree.

Il épouse Catherine Deneuve en 1965 à Londres. Ils se séparent en 1967 pour rejoindre Penelope Tree alors âgée de dix-sept ans, mais le divorce n'est prononcé qu'en 1972. Ils se remettent ensemble dans les années 1980.

Entre temps à la fin des années 1960, sa carrière de photographe de mode et publicité continue, mais il s'oriente peu à peu vers les paysages, l'architecture, les natures mortes, les nus, et le portrait. Il photographie les Rolling Stones, puis explore ensuite le milieu Pop des années 1970 tout comme le mouvement hippie.

En 2001, il est fait CBE, puis en 2005, il reçoit la médaille du centenaire de la Royal Photographic Society.

Il a shooté la révolution mode et l'émergence de la pop culture des années 60 à aujourd'hui, libérant la photographie du carcan esthétique où elle était enfermée. Longtemps collaborateur de Vogue, David Bailey, gentleman rieur et fin connaisseur de jazz, reste l'une des sommités de l'image et du portrait.

REFERENCE : Jean-François JONVELLE

183:710114318 (Alain Baroni) — Mon, 19 Feb 2018 10:24:28 GMT

"On a trop souvent parlé de « Myriam » pour situer son travail et je pense que son œuvre mérite d'être évoquée à travers des exemples plus pertinents.

On a facilement résumé sa carrière de photographe à celle d'un photographe de femmes, voire de charme.

Et on ne parle plus trop de son travail que je trouve magnifique. J’ai envie de parler de ce grand Monsieur, dont une photo m’accompagne depuis 30 ans.."

Bio :

Jean-François Jonvelle (3 octobre 1943, Cavaillon - 16 janvier 2002, Paris) était un photographe français.

Pas d'études dignes de ce nom, juste un certificat. Il prend ses inspirations ici et là, dans la peinture chez Balthus, Bacon, Schiele, mais sa vraie culture vient du cinéma avec Mankiewicz, Lubitsch, Fritz Lang, Orson Welles, Arthur Penn, Minnelli, Hitchcock, Marcel l'Herbier, Tourneur, plus récemment "Brazil" de Terry Gilliam qu'il avouait avoir vu onze fois. Son film préféfé : "Jules et Jim" de François Truffaut.

En 1959, c'est Georges Glasberg, photographe, qui l'initie à la photo en lui faisant faire le tour de France des cathédrales, une passion pour la photo qui ne le quittera jamais. A l'âge de 20 ans il devient l'assistant du photographe américain Richard Avedon. Il fait ses débuts dans le magazine "20 ans" puis dans l'émission" Dim, Dam, Dom". Il est ensuite devenu indépendant, travaillant toujours autour des femmes. Il réalise au cours de sa carrière de nombreux portraits de femmes, souvent ses amies : des jeunes filles naturelles, le plus souvent nues, nonchalantes.

Sa petite sœur, sa maman dont il a toujours été très proche, et sa grand-mère seront ses "premières victimes consentantes". Première muse et complice, Tina Sportolaro qu'il rencontre en 1982 et avec qui il réalise quelques-unes de ses plus belles images. Viendra Béatrice en 1985. Puis Maud Marker, qui contrairement aux autres femmes avec lesquelles il partagera des moments de vie, n'a pas envie d'être prise en photos. Elle, en tailleur Chanel rose bonbon, lui en jeans et baskets. Elle est l'opposé des femmes qui l'attirent habituellement. Elle s'occupe des castings, le conseille dans ses choix et devient son agent jusqu'en 2000.

Il disait volontiers que son sujet préféré était les femmes qu'il aimait. Il est notamment l'auteur des photos de la campagne de pub qui avait révolutionné l'affichage publicitaire dans les années 80 "Demain j'enlève le bas".

Il avait publié en 1998 un album de photos qui était une sorte d'encyclopédie du décolleté, intitulé "balcons" et se décrivait lui-même comme "un obsédé sexuel sentimental, un voyeur né". "Quand je photographie une femme, avait-il dit, je veux qu'elle sache qu'elle est la plus belle de la terre, parce qu'une femme qui se sent belle est vraiment la plus belle femme du monde. Mon bonheur, c'est aussi de n'avoir jamais entravé ma liberté, ni perdu ma fraîcheur, mon instant".

Il est mort à 58 ans d'un cancer foudroyant, 15 jours après qu'une tumeur fut détectée.

Matériel : Il utilise un appareil reflex avec des objectifs ultra-lumineux (50 mm f/1, 85 mm f/1,2). Cette grande ouverture lui permet de travailler en lumière naturelle, et sans trépied jusqu'à un temps de pose d'1/15 de seconde.

Lumière : Le photographe n'utilise jamais de flash. Il travaille uniquement avec la lumière naturelle.

Le décor : Les éléments extérieurs au modèle sont généralement discrets, et très communs. Ils jouent cependant un rôle dans la composition du cadre.

En 1981, trois photographies servent de support à une campagne réalisée pour l'afficheur Avenir. C'est un grand scandale et succès grâce au procédé du teasing utilisé pour la première fois en France. Le nom du photographe demeure attaché aux deux slogans qui accompagnaient ses photographies : « Demain j'enlève le haut », « Demain j'enlève le bas ».

Il a représenté un moment dans la société française, les derniers jours des 30 Glorieuses, lorsque l'air était plus léger. La campagne d'affichage avec Myriam qui, à l'été 1981, promettait d'enlever le bas était devenue un phénomène de société. Comme Jean-Loup Sieff, Jonvelle célébrait la beauté de la femme, innocente, presque naïve, nature, si c'est l'adjectif qui convient pour dire sans artifice, sûre de sa beauté. Jean-François Jonvelle saisissait les femmes dans des moments intimes, comme si elles ne savaient pas qu'elles étaient observées.

On a trop souvent parlé de « Myriam » pour situer son travail, je pense que son œuvre mérite d'être évoquée à travers des exemples plus pertinents. Par exemple, des campagnes pour Huit en collaboration avec Gérard Jean ou Levis pour CLM. Michel Guerrin, dans son article nécrologique du Monde, évoquait l'image de ringard que, selon lui, Jonvelle avait dans certains milieux ; j'imagine que la publicité en faisait partie..

On a facilement résumé sa carrière de photographe à celle d'un photographe de femmes, voire de charme. Le charme étant cet univers trouble entre un érotisme un peu culpabilisé et une complaisance légèrement surannée qui ne sont pas exactement des qualificatifs pour cette modernité qui est la nôtre. Une anecdote qui a été l'une des dernières vraies gratifications de Jonvelle. En 1998, Stanley Kubrick préparait ce qui devait être son dernier film -Eyes Wide Shut- et se posait des questions sur la façon la plus vraie de filmer les femmes. Étant tombé sur un livre de Jonvelle, il lui avait demandé de venir à Los Angeles avec des photos pour s'en entretenir avec lui. D'ailleurs, un plan dans la salle de bains des héros du film, avec Nicole Kidman sur la cuvette des toilettes, est directement inspiré d'une des photos de Jean-François.